GUBI - Projektanci
PROJEKTANCI Z GUBIDania jest znana na całym świecie ze swojego długiego i imponującego dziedzictwa projektowego, w którym dom projektowy taki jak GUBI odcisnął swoje piętno. Oczywiście nie stało się to łatwo ani w pojedynkę, ponieważ od 1967 roku współpracują zarówno z uznanymi projektantami, jak i wschodzącymi talentami z całego świata, co skutkuje starannie dobraną gamą wykwintnych, wysokiej jakości mebli. Firma GUBI została założona w 1967 roku przez rodziców obecnego właściciela i dyrektora generalnego Jacoba Gubi, z naciskiem na produkcję mebli własnego projektu. Dziś jednak firma jest znana z projektowania, tworzenia i wprowadzania na rynek jedynych w swoim rodzaju mebli, lamp i akcesoriów domowych, które wywołują poruszenie na całym świecie. Charakterystyczne elementy GUBI potrafią wywoływać emocje i opowiadać znaczące historie, które sprawiają, że różne projekty wydają się ponadczasowe i ujmujące. GUBI łączy zapomniane ikony designu z przeszłości ze współczesnymi klasykami, tworząc wizjonerską kolekcję, która ucieleśnia 100 lat historii, sprzedawaną na całym świecie. Przez lata Jacob Gubi zdołał utrzymać kreatywną wizję firmy dzięki licznym współpracom z krajowymi i międzynarodowymi projektantami, którzy wspólnie stworzyli i wyprodukowali szereg estetycznych, funkcjonalnych, trwałych i nie tylko unikalnych projektów.
)
Mads Caprani
Duński projektant lamp Mads Caprani rozpoczął swoją przygodę z projektowaniem w firmie Louis Poulsen, kiedy wykorzystano jego umiejętności techniczne jako inżyniera elektryka. Na tym stanowisku współpracował z wieloma utalentowanymi i wybitnymi projektantami, w tym Arne Jacobsen, Poul Henningsen i Verner Panton. Interakcja z tymi wizjonerami rozbudziła w Capranim zainteresowanie designem, co dało początek jego dużej firmie produkującej lampy, która odniosła wielki światowy sukces.
W 1967 r. ojciec Madsa Caprani, Micheli Caprani, nabył fabrykę lamp Rotaflex, do której Mads Caprani dołączył 10 lat później z wyraźną ambicją, aby wyrobić sobie markę dzięki swoim plisowanym abażurom, które były bardzo nietypowe jak na swoje czasy, ale szybko stały się ulubionymi wśród jego klientów. W 1979 roku sam Caprani przejął firmę od swojego ojca i zmienił nazwę na Caprani Light, przekształcając małą duńską firmę w wielką globalną markę z oddziałami w całej Europie, w Chicago i Wisconsin w USA. Wraz z tą zmianą pokoleniową zmienił również swój własny punkt ciężkości z samych abażurów na projektowanie całych lamp, początkowo z drewna, a następnie badając inne naturalne materiały, takie jak metal i kamień.
Spośród wszystkich lamp Caprani, to bez wątpienia lampa podłogowa Timberline spełniła wszystkie jego ambicje dotyczące projektu lampy i zapewniła jego dziedzictwo. Timberline to wyjątkowa i niezwykła konstrukcja o ponadczasowej i klasycznej estetyce, która naturalnie uczyniła ją natychmiastowym bestsellerem i sprawiła, że stała się znana jako "lampa Caprani" na całym świecie. Caprani zmarł w 2014 roku w wieku 72 lat po zrealizowaniu swojego marzenia o zbudowaniu jednej z największych marek oświetleniowych na świecie. Ale to z pewnością nie był koniec jego historii. Projekty oświetleniowe Caprani zostały odkryte na nowo i choć jego firma nie prowadzi już działalności, zainteresowanie projektami Caprani nigdy nie było większe. Dlatego też światowej sławy marka oświetleniowa GUBI z wielką przyjemnością współpracuje z rodziną Madsa Caprani, aby przywrócić jego kultowe lampy, dzięki czemu jego fani na całym świecie mogą ponownie wnieść światło do swojego życia i domów. To właśnie w tym kontekście kultowa "lampa Caprani " przeżywa renesans wraz z ponownym wprowadzeniem na rynek lampy podłogowej Timberline, dostępnej w wyjątkowym połączeniu białego plastiku, brzozy i drewna dębowego.
)
Bill Curry
W latach 60. i 70. amerykański projektant Bill Curry zdołał uchwycić ducha tamtych dekad dzięki swoim kultowym projektom lamp, które odzwierciedlały jego wspaniałe otoczenie, które zostały przekształcone w proste i inteligentne pomysły z jasną narracją wizualną. Dodatkowo, multidyscyplinarne wykształcenie Curry'ego i kontakt z najnowocześniejszymi osiągnięciami w dziedzinie elektroniki i inżynierii systemów lotniczych dały mu doświadczenie i pewność siebie, aby zaryzykować projektowanie przemysłowe, a następnie uruchomić własną firmę meblarską, Design Line Inc, w 1962 roku.
Curry opracował nowy standard oświetlenia, który obejmował element łączący stojak, żarówkę i klosz w jedną organiczną formę. Przypisuje mu się również opracowanie pierwszego kształtu lampy "total look", który odchodzi od tradycyjnej koncepcji "podstawy-żarówki" i zamiast tego eksploruje odsłoniętą żarówkę w zabawny i niezależny sposób. To właśnie na tej koncepcji opiera się jeden z jego najbardziej kultowych projektów. Stemlite charakteryzuje się smukłą ramą i dużym kloszem z opalowego szkła, tworząc harmonijny, ponadczasowy i klasyczny wygląd, który przetrwa pokolenia. Seria została opracowana z kilkoma modelami w różnych kolorach i materiałach, wszystkie charakteryzują się prostym połączeniem. Ten "totalny wygląd" stał się natychmiastowym hitem, zdobywając nagrodę Industrial Design Magazine dla "Najlepszych lamp roku", a Departament Handlu USA zaprezentował kolekcję Stemlite w Związku Radzieckim, Jugosławii i Iraku jako doskonałe przykłady amerykańskiego wzornictwa. Po zdobyciu ponad 50 krajowych nagród w dziedzinie projektowania, w 1969 roku Curry został opisany jako jeden z czołowych kalifornijskich projektantów zaledwie kilka lat przed śmiercią w wieku 43 lat. Jego spuścizna projektowa trwa do dziś jako jednego z prawdziwych pionierów amerykańskiego wzornictwa kosmicznego.
Oprócz kultowej serii Stemlite, Curry zdołał również zaprojektować wyjątkową Obello Portable Table Lamp na krótko przed śmiercią, co oznacza, że nigdy nie zobaczył jej w produkcji ani nie nadał jej nazwy. Obello jest inspirowana erą atomową, wyścigiem kosmicznym i popkulturą, która zdefiniowała Los Angeles w latach 70-tych, co ewoluowało w wizualną formę lampy. Ta lampa Obello to ikona kosmicznego designu, która służy jako mocny element zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz domu, a także jako funkcjonalne źródło światła.
)
Bonderup & Thorup
W 1969 roku architekci Claus Bonderup i Torsten Thorup ukończyli Królewską Duńską Akademię Sztuk Pięknych i rozpoczęli pracę dla duńskiego architekta Henninga Larsena w Kopenhadze. Od tego momentu obaj architekci rozpoczęli współpracę, która trwała przez większość ich kariery i zaowocowała szeregiem wybitnych projektów.
Prace Thorupa i Bonderupa charakteryzują się szczerą i klasyczną prostotą z naciskiem na szczegóły i jakość, co jest szczególnie widoczne w Półwisiorek z 1968 roku. Jednak dopiero w latach 80. ten najlepiej sprzedający się wówczas duński projekt zyskał światowe uznanie i status ikony, stając się ulubionym elementem wielu różnych wnętrz na całym świecie.
Lampa wisząca Semi to klasyczny i wyjątkowy projekt z charakterystycznym zakrzywionym, emaliowanym metalowym kloszem, który zapewnia rozproszone, przyjemne i stożkowe światło, dzięki czemu idealnie nadaje się nad stół jadalny lub do kuchni. Ze względu na lekkość kształtu, unikalny, ponadczasowy design oraz różne kolory i rozmiary, w których projekt jest dostępny, lampa wisząca Semi jest bardzo wszechstronnym projektem, który idealnie pasuje do wszystkich rodzajów środowisk, zarówno w przestrzeniach prywatnych, jak i publicznych.
)
Corsini & Millet
Barba Corsini był wiodącym architektem funkcjonalistycznym, który zdobył wiele międzynarodowych nagród za swoje projekty budynku La Pedrera w Barcelonie. Corsini był silnie zainspirowany przez niemieckiego architekta Miesa van der Rohe i amerykańskiego architekta Franka Lloyda Wrighta. Osobisty styl projektowania hiszpańskiego architekta można trafnie opisać jako "potężną prostotę", która była również wyraźnie reprezentowana przez jego kolekcję Pedrera.
Utalentowany architekt Joaquim Ruiz Millet założył Galerię H20 w Barcelonie w 1989 roku, gdzie pełnił funkcję właściciela, agitatora kulturalnego, kuratora wystaw oraz redaktora książek i obiektów projektowych. W 1991 roku, kiedy miała miejsce renowacja La Pedrera, odkrył piękno wspaniałej lampy podłogowej PD2, której udało mu się zapobiec wyrzuceniu. Ruiz Millet chciał ocalić dzieła Corsiniego i uczynić je bardziej znanymi i dostępnymi dla publiczności. To zapoczątkowało jego współpracę z Corsini nad wznowieniem oryginalnych projektów, które stworzył dla La Pedrera w tamtych czasach.
)
Gabriella Crespi
Włoska projektantka i artystka Gabriella Crepsi skończyłaby 100 lat w 2022 roku, co GUBI świętuje, wprowadzając kolekcję Bohemian 72 do produkcji 50 lat po jej pierwszym wprowadzeniu. Przez całą swoją niezwykłą karierę w świecie designu udało jej się bez wysiłku przełączać między rodziną królewską w Europie a zestawem odrzutowców w Hollywood, gdzie jej niezaprzeczalny blask i wyrafinowanie sprawiły, że stała się muzą projektanta Valentino i wprowadziła Audrey Hepburn, Gianniego Versace i Huberta de Givenchy do swojego kręgu towarzyskiego. Estetyka Crespi charakteryzowała się dwoistością między modernistyczną funkcjonalnością a barokiem oraz przejściem między czystymi liniami a zmysłowymi krzywiznami.
Bohemian 72 to elegancka, elastyczna i wyrafinowana kolekcja rattanowa, która odzwierciedla fascynację Crespi formami rzeźbiarskimi i jej ciekawość kultur Wschodu. Za jej życia te ekskluzywne dzieła były produkowane tylko dla prywatnych klientów, ale dziś, 50 lat po ich pierwszym wprowadzeniu, GUBI pracowało na podstawie jej oryginalnych rysunków i po raz pierwszy ożywiło tę wyjątkową kolekcję. Kolekcja obejmuje fotel, trzyosobową sofę, stołek i lampę podłogową - a tę wyjątkową lampę podłogową można znaleźć tutaj.
)
Louis Weisdorf
Wśród najbardziej wpływowych i znanych duńskich architektów i projektantów przemysłowych, Louis Weisdorf naturalnie przychodzi na myśl. Weisdorf opisywał siebie jako specjalistę od wszechstronności, co trafnie podsumowuje jego fenomenalną i niezwykłą karierę, która obejmowała współpracę z Tivoli Gardens w Kopenhadze, odnoszącą sukcesy firmę architektoniczną i szereg wyjątkowych projektów, w tym Multi-Lite i zawieszki Turbo - a dziś kilka z jego projektów jest znanych na całym świecie i bardzo poszukiwanych jako przedmioty kolekcjonerskie.
)
Robert Dudley Best
Robert Dudley Best był nie tylko spadkobiercą największego na świecie producenta oświetlenia Best & Lloyd, ale także zapalonym entuzjastą designu, żywo zainteresowanym przełamywaniem barier między korzyściami przemysłowymi i artystycznymi, co podzielał również jego przyjaciel Walter Gropius. Walter Gropius był także założycielem ruchu Bauhaus, który szturmem podbił Europę swoimi surowymi, czystymi liniami i stylem, na który Dudley Best miał duży wpływ. To również w tym okresie powstały pierwsze rysunki ikonicznego projektu Bestlite.
)
Space Copenhagen
Signe Bindslev Henriksen i Peter Brundgaard Rützou założyli studio projektowe Space Copenhagen w 2005 roku, tworząc meble, lampy, wyrafinowane przedmioty i instalacje artystyczne, a także sztukę dekoracyjną do prywatnych domów, hoteli i restauracji na całym świecie. Ambicją duetu projektantów jest tworzenie nowych sposobów równoważenia przeciwieństw i tworzenia kontrastów, w tym klasyki z nowoczesnością, industrialu z organicznością, rzeźby z minimalizmem i światła z cieniem.
)
Gio Ponti
Włoski architekt, projektant i redaktor Gio Ponti jest uznawany za jednego z najbardziej wpływowych wizjonerów XX wieku. Przez całą swoją karierę Ponti projektował różnorodne meble i produkty, od szafek, lamp i krzeseł po ceramikę, szklane przedmioty i lustra. Wzniósł również budynki, w tym kultowy wieżowiec Pirelli Tower w Mediolanie i Muzeum Sztuki w Denver, które zostało zbudowane w 14 krajach. Poprzez swój własny magazyn o designie, Domus, promował ciekawość i otwartość na innowacyjny design.
Na projekty Pontiego duży wpływ miało motto "la dolce vita", pozwalające ludziom otaczać się dobrym designem, aby lepiej cieszyć się pełnią życia. Ten tętniący życiem włoski styl życia jest wyraźnie odzwierciedlony w jego portfolio, które nadal inspiruje artystów i projektantów w przyszłości. Dziś wiele z jego projektów jest rozchwytywanych przez doświadczonych kolekcjonerów, którzy chcą dodać do swoich wnętrz odrobinę włoskiej estetyki i niewymuszonej elegancji.
Wśród jego wykwintnej oferty znajdują się lustra F. A. 33, pierwotnie zaprojektowane w 1933 roku dla najbardziej znanego producenta lamp, szkła i luster tamtych czasów, FontanaArte, które Ponti i Pietro Chiesa założyli kilka lat wcześniej. F. A. Lustro 33 ma lekko zakrzywiony kształt oraz kultowy i ponadczasowy wygląd, który dodaje szlachetnego, eleganckiego akcentu do każdego stylu wnętrza.
)
Jacques Adnet
Francuski architekt i modernista Art Deco Jacques Adnet był ikoną francuskiego modernizmu. W 1925 roku został uznany za jednego z najbardziej obiecujących młodych projektantów zarówno przez Salon d'Automne, jak i Les Expositions des Arts Decoratifs - i do dziś pozostaje jednym z najbardziej uhonorowanych francuskich projektantów, którego trwałe i innowacyjne prace są nadal bardzo poszukiwane. Przez całą swoją karierę Adnet był zawsze jednym z pierwszych artystów, którzy wyrażali nowe trendy, a także jednym z pierwszych projektantów, którzy łączyli skórę i szkło w strukturze i dekoracji mebla - co ma również miejsce w przypadku jego luster Adnet.
W 1950 roku Jacques Adnet nawiązał współpracę ze słynnym francuskim domem mody, dla którego opracował linię dyskretnych, ale niezwykłych mebli i akcesoriów domowych pokrytych skórą. Zaprojektował eleganckie i charakterystyczne okrągłe skórzane lustro z wykwintnymi detalami, które sprawiają, że jest ono szczególnie przyciągające wzrok i dekoracyjne we wnętrzu. Oprócz unikalnych detali ze skóry i polerowanego mosiądzu, lustro Adnet jest również dostępne w różnych rozmiarach oraz w kwadratowych i okrągłych kształtach, z których każdy dodaje rzeźbiarskiego akcentu i ponadczasowości do przedpokoju, sypialni lub łazienki, gdzie są bardzo dekoracyjne.
)
Mathieu Matégot
Mathieu Matégot był wszechstronnym, niezależnym i samoukiem węgierskim projektantem, architektem i artystą, który większość swojego życia spędził w Paryżu, gdzie osiadł w 1931 roku po ukończeniu Szkoły Sztuki i Architektury w Budapeszcie. W 1939 r. zgłosił się na ochotnika do armii francuskiej, po czym był więziony w Niemczech, aż do ucieczki w 1944 roku. Jego wojenna niewola była ważnym okresem w karierze Matégota, ponieważ to właśnie tutaj zapoznał się z innowacyjnym materiałem i techniką, którą nazwał Rigitulle, a która później stała się najbardziej charakterystyczną cechą jego twórczości.
Jest to pionierska technika i materiał, z którego jest najbardziej znany, a który później opatentował, aby dodać do wszystkich swoich projektów. Zawsze produkował ograniczoną ilość produktów, tylko do 400, co trwało do lat 60-tych, kiedy Matégot nagle zaprzestał produkcji i zaczął pracować z gobelinami, co kontynuował do końca swojej kariery. Podobnie jak tekstylia, Rigitulle potrafił również zginać, składać i formować, aby nadać projektowanym przez siebie meblom przejrzystość, nieważkość i trwałą nowoczesność.
)
Paavo Tynell
"Człowiek, który oświecił Finlandię" - tak pieszczotliwie nazywano pionierskiego fińskiego projektanta oświetlenia Pavvo Tynella. Tynell był jednym z założycieli Taito Oy, gdzie stał się pierwszym przemysłowym producentem opraw oświetleniowych w Finlandii. Tynell stał się bardziej znanym projektantem w latach 30-tych i 40-tych, współpracując z niektórymi z najbardziej rozpoznawalnych i znanych fińskich architektów, w tym z Alvarem Aalto. Należąca do Tynella firma Taito Oy produkowała oprawy oświetleniowe dla głównych projektów Alvara Aalto, takich jak Paimio Sanatorium i Viipuri Library.
Tynell został szczególnie uhonorowany za swoją pracę w studiu projektowym "the Finland House" w Nowym Jorku, które zaprezentowało imponującą pracę fińskich projektantów i rzemieślników. Jego eleganckie mosiężne projekty odniosły natychmiastowy sukces w Ameryce Północnej i zaczął tworzyć projekty oświetlenia dla prestiżowej amerykańskiej firmy Lightolier. Tynell był wyjątkowym mistrzem rzemiosła, tworząc swoje projekty w oparciu o tradycyjną estetykę z nowoczesną wrażliwością połączoną z szerokim wykorzystaniem perforowanego i polerowanego mosiądzu jako głównego materiału.
)
Greta M. Grossmann
Szwedzka ikona designu Greta M. Grossmann zdołała utrzymać długą karierę trwającą 40 lat zarówno w Europie, jak i Ameryce Północnej, gdzie była niezwykle aktywna i wpływowa w zdominowanym przez mężczyzn świecie designu. Miała wiele imponujących osiągnięć, obejmujących wzornictwo przemysłowe, projektowanie wnętrz i architekturę. W 1933 roku ukończyła studia w renomowanej sztokholmskiej instytucji artystycznej Konstfack, po czym wraz z mężem Billym Grossmanem wyemigrowała do Los Angeles. Tutaj otworzyła bardzo nagłośniony sklep na Rodeo Drive, gdzie jako jedna z pierwszych wprowadziła nowoczesną skandynawską estetykę do południowej Kalifornii. Jej unikalne podejście do szwedzkiego modernizmu było natychmiastowym hitem w Los Angeles i nie minęło wiele czasu, zanim zgromadziła klientelę sławnych klientów.
Spośród wszystkich jej osiągnięć w dziedzinie designu i architektury, najbardziej znana jest ze swoich projektów przemysłowych, z lampą podłogową Gräshoppa i lampą stołową Cobra należącymi do jej najbardziej znanych dzieł.